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Hagalo nuevo

Gordon Burn, el tutor

Después de la borrachera chillona del 1960s el arte estadounidense se fue a pique. Ahora los críticos están hablando de un renacimiento. Aún debajo de los colores brillantes y las superficies satinadas, Gordon Burn descubre una tristeza en el corazón de la más reciente generación de artistas de los EE.UU.

"El mundo de mañana - hoy!" La lema de la 1939 Feria Mundial de Nueva York es uno que sostenía a Gotham como el capital cultural del mundo durante todo segundo tiempo del siglo XX.

USA Today, el título de la función de Charles Saatchi de sus más recientes adquisiciones caramelo de menta - frescas de América en la academia real, no es, apropiadamente quizás, tan resonante, less entusiasta. Es el nombre de un periódico convencional. "Sigue que el título de exposición me hace pensar en la guerra en Irak", uno de los colaboradores, el escultor Los Angeles basado en Matthew Monahan dijo. La guerra y el ambiente político que ha creado son un tipo de enlace viral entre el trabajo de artistas tan diferentes como Rodney McMillian, Dan Colen, Matthew Day Jackson y Josephine Meckseper.

"Nueva York, la ciudad que es siempre su propia fotografía, el recuerdo viviente de mi sueño infantil de la escape, me gritó, "John Updike escribe una novela temprana y pequeño - lectura de la granja,", me exhortaron a, en el automóvil, down the road, a lo largo de la autopista, arriba del Turnpike."

Nueva York llamó, y Updike lo escuchó sobre la granja de familia en Shillington, Pensilvania, much as contemporáneos y por muy poco - contemporáneos como Johns de Jasper (nacido en Augusta, Georgia), Robert Rauschenberg (Arthur de puerto, Texas), Ellsworth Kelly y James Rosenquist, al mismo tiempo que Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Frank Stella y Donald Judd, lo escuchó en sus pueblos pequeños y ciudades de provinciaes y vinieron funcionando.

Desconocedor de, o hacer caso omiso, Marcel que Duchamp es el comentario de "Los artistas durante toda historia son como jugadores en Monte Carlo, y en la lotería ciega algunos son escogidos mientras los otros son destruidos", reunieron juntos en vecindarios de barrio pobre en Manhattan inferior en la manera que se ha puesto tradicional desde entonces, con las ratas y las cucarachas y las rajaduras en la pared. Willett C/ bajo el Williamsburg Bridge era one such área, y fue allí que Rauschenberg y Johns se apoyaron cuando planearon cargar a los expresionistas de extracto y todas sus obras. Rauschenberg dijo que ese Willett C/ era "La proximidad más horrorosa" en la que alguna vez vivió una vez. "Parecía frightening ser dentro de, y even more espantoso estar fuera."

Esto estaba all a una vez - el mid- 1950s para a comienzos de 60s - cuando Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning habían determinado la hegemonía de Nueva York como el capital de arte del mundo. América, en parte como consecuencia de la novedad y la vitalidad que estos artistas representaban, parecía joven, fuerte y capaz de producir algo a voluntad. "América aceptó al nuevo, "Robert Hughes una vez notar", porque su mito sociable y tecnológico venerado era uno del progreso. Con un poco de pinchar, él eran willing abrazar casi cualquier cambio cultural "Radical" como terapéutico. Su industria cultural estaba anunciando los cambios frescas y temporalmente perturbadores y comprimiendo el futuro en el regalo... Manhattan era la capital del cambio - la Roma de la inestabilidad."

En los 25 años hasta 1970, la invención de artistas en América - su habilidad de "Hacerlo nuevo" - parecía inagotable: el expresionismo de abstracción causó la pintura de color - campo, que causó la proto- música pop de Johns, que causó el arte pop proper, y una edad en la que objetos de comercial por primera vez se hicieron obras del arte. Esto era en respuesta a las condiciones del mercado que would crear el mundo postindustrial en última instancia. Cuando Warhol nos estaba diciendo para siempre, la cosa extraña sobre el 1960s era no esa arte occidental se estaba poniendo comercializado, pero ese comercio occidental se estaba haciendo so much más artístico.

Así que América era en una buena racha; fue la ola interminable. Y todo el mundo - empresarios de arte y estrellas de arte, comerciantes, conservadores, críticos, cobradores - era delighted montarlo. Pero entonces/luego, cuando la borrachera chillona del 1960s amainó, algo ocurrió: artistas estadounidenses jóvenes empezaron a prepararse para la entrada al industria de arte floreciente estudiando para títulos en bellas artes en la universidad. Incrementar los números de ellos seem look on la práctica del arte como una profesión perfectamente viable, en que no era irrazonable esperar un regreso financiero decente. La expansión rápida del mercado de arte - más y más galerías, más cobradores precios aumentando, y las recompensas sociables que optaron por ser un artista acreditado - no atrajo a hombres y mujeres jóvenes brillantes que nunca pueden haber pensado en se hacer artistas si hubieran sido nacidos 10 años antes.

"Una niebla tóxica seca y académica presionada down on el lugar de arte", el neoyorkino autor Calvin Tomkins tristemente informó. "Muchos de los artistas jóvenes universidad -trained habían sido masticados dosis grandes del arte mínima y conceptual en la escuela, y cuidaban pensar en relación con un arte reducido a sus elementos esenciales básicos de la forma, la línea y el color, o más un arte en la que las ideas tenían prioridad sobre artefactos físicos después."

"Piso y arte de cajón", cuando el escultor por el que Richard Serra hizo referencia a la moda conceptual, el documental y el trabajo de instalación, dejaron de causar a un artista estadounidense muy importante en the 1970s. "Si hubiéramos pensado sobre él(ella/eso) de la perspectiva de bichos raros de automóvil viejos, "El conservador estadounidense y lo crítico Dave Hickey escribieron", habríamos lo sabido y habríamos predicho que el General Motors del mundo de arte - los museos y las universidades - trataría de aliviar su estado post- mercado y controlar los medios de la producción en última instancia seguramente... Dentro de 10 años, el mundo de arte estaba sobre su camino para se hacer una burocracia de transnational. Todo el mundo tenía una descripción de puestos de trabajo y un résumé... Era frente a frente con una generación de artistas jóvenes well- educar y sin reparar en gastos entrenado cuyo período de posesión prolongado en escuelas de arte añadidas al mundo de arte se había divorciado de ellos de cualquier realidad sociable más allá de él(ella/eso) totalmente."

Si Julian Schnabel no hubiera llegado cuando iba en el a comienzos de 1980s, el mercado, siempre listo para comprar acciones del culto del artista llevado por la ambición y montado por angustia, habría tenido que inventarlo. El Wall Street era en su totalidad la inundación; el mercado alcista había empezado su racha cinco -year, que duró de 1982-87; y el arte, además de las variedades de la realimentación de estilo de vida encantadora que ofreció, se hubo hecho el lugar elegante para intermediarios financieros de futuros y directores del fondo de protección hacerlo/serlo pusieron su dinero. Las pinturas sobre horsehide y placas descompuestas, que fueron fijado el precio de en $2,000 apiece en su primera función, de Schnabel habían saltado $40,000 apiece por su tercero. En la cabeza de la cola el cobrador joven brillante estar de Inglaterra, el ejecutivo de publicidad recién rico Charles Saatchi.

Saatchi compró Schnabel en grandes cantidades, al mismo tiempo que otros lienzos grandes y deliberadamente crudos y neo- expresionista por Schnabel's contemporáneos estadounidenses David Salle y Eric Fischl, y sus homólogos en Italia y Alemania. El surgimiento de pintores europeos como Georg Baselitz, Sandro Chia y Francesco Clemente dio el aumento a un sarpullido de artículos teóricos about the end of el machismo de los EE.UU. por aquí esta vez. "El arte contemporánea no es más una exclusiva de Nueva York", Tomkins se anunciaron candidato al final de1981. "Desde que la expresionista pintura abstracta se hizo el estilo internacional dominante, muchas personas ambos aquí y abroad han visto esta ciudad como la fuente primaria del arte avanzada... La noción de que nada del interés podía estar ocurriendo anywhere else en el mundo entero ha causado mucha irritación entre artistas europeos y comerciantes... Ahora la pared del machismo, legítimo o imaginar, parece estar se desintegrando."

Sin embargo, cuando Saatchi abrió su primera galería particular en Londres norte en el mid- 1980s, el énfasis estaba directamente - con la excepción sola del alemán Anselm Kiefer - en el nuevo trabajo de América. Warhol, Judd, Cy Twombly y Carl Andre estaban entre artistas superiores tener como protagonista en las primeras funciones de la colección de Saatchi. El arte de Nueva York, en el otoño y el invierno de 1987-88, trajo together un grupo de artistas jóvenes cuyo trabajo había sido visto fuera de América hasta ese tiempo ahora nunca. Las Day - Glo pinturas frescas de Peter Halley, las "Apropiaciones" de las obras de las piezas fundidas de cera escalofriantes de Barnet Newman y Bridget Riley, Robert Gober de Philip Taaffe, las construcciones ensuciadas por logotipo de Ashley Bickerton y, principalmente, las aspiradora inmaculada y pelotas de básquetbol - flotar - de los ex corredor Jeff Koons de producto primario en esculturas de fishtank de - - todos estos tenían un efecto inmediato y profundo en el pensar de Sarah Lucas, Damien Hirst y sus compañeros en la orfebres universidad, que hizo los viajes repetidos al otro lado de Londres para verlos. Las funciones por Koons de Saatchi y la supuesta escuela de "Neo- geo" eran decisivas en disparar una generación de artistas británicos jóvenes que, por primera vez desde la guerra, podían dejar a sus contemporáneos de Nueva York fuera de la etapa internacional.

"Usted dejó caer la pelota", recuerdo un comerciante europeo decir al pintor estadounidense joven Sean Landers por todas partes1994. Landers miraron fijamente en su bebida. No lo negó. ¿Así que qué ocurrió? Y lo que, además de la impaciencia conocida del mundo de arte para la innovación y el apetito para el brevemente nuevo, ha ocurrido desde la reelección en 2004 de George Bush causar que las revistas de arte (principalmente europeas) empiecen a hablar de un "Renacimiento" en el arte estadounidense? O para inspirar que a galerías de Londres muy importantes como el serpentino (los estados federales indecisos de América de quién estar todavía corriendo) y la academia real monten funciones de encuesta de artistas que todavía son, fuera del cobrar elites, en gran parte sin precedentes en su propio país?

Algunos artistas en USA Today también tenían trabajo en Whitney Biennial de este año, una función que estaba teniendo lugar, cuando sus co- conservador británicos de nacimiento Chrissie Iles admitió en el catálogo, "A un momento cuando la opinión mundial de los Estados Unidos está en su reflujo más bajo". La tendencia hacia "Obfuscation, la oscuridad, la reserva y la irracional" también "Podía ser dicha reflejar el humor en el mundo más grande", Iles añadieron. El Matthew Monahan, un participante en ambas funciones y coleccionar por la familia de Rubell ferozmente en Miami tanto como Saatchi en este país, estaba de acuerdo en que la planta bienal tenía "Un presentimiento de pesadilla", pero añadió que también tenía "Un taponazo / la gamberro sensibilidad característica del arte de los EE.UU.".

Esta contradicción - si ése es lo que era - fue addressed por el director del Whitney, Adam Weinberg: "Para muchos estadounidenses, tales eventos [como la guerra de Irak y lo huracán Katrina] existen más como el crujido de interferencias de fondo que como una presencia palpable... Esta situación da el aumento a al menos dos realidades que coexisten molestamente: una de la preocupación, la exasperación y la desesperación; y otro de la euforia, la energía y la ilusión."

Hay dos autores que casi cada uno de los 40 artistas en USA Today son sure haber leído. Uno es Hickey, la guitarra de aire de libro de quién, una recolección exuberante y de gran alcance de sus composiciones arte - teóricos y autobiográficos, ha atraído a uno cult following desde su publicación hacia dentro1997. (Hickey solía ser un autor de roca, y un marchante de arte; está en una cinta, estar profundamente arraigado en la 1960s cultura subterránea, y ser un residente de mucho tiempo de, y proselytiser persuasivo porque, Las Vegas.)

Lo demás es David Foster Wallace, cuya burla infinita nueva 1,079 página se hizo un clásico del campus inmediato cuando fue publicada hace uno década. En torno de la época en que el libro salió, Wallace fue pedido que describir cómo feel para vivir en América, y ésta era su respuesta: "Hay algo particularmente triste sobre él(ella/eso), algo que no tiene que venir bien las circunstancias físicas mucho, o la economía, o lo ninguno de las cosas que get hablar de en las noticias. Es más como una tristeza de estómago - nivel. Lo see en las maneras diferentes en mí mismo y mis amigos. Se manifiesta como una clase de lostness. Ya sea que es único en nuestra generación no lo sé realmente." Wallace hizo esta observación unos años antes de los eventos de septiembre 2001 y la guerra siguiente sobre el terror.

Escribiendo sobre la burla infinita en la introducción para la colección de historia que los niños quemados de América - un equivalente un poco literario de USA Today - Zadie Smith también reconocieron eso, 9/11 pone, "Debajo de las sonrisas profesionales que hay una tristeza en [América] eso es hundido tan sumergido en la cultura usted puede experimentarlo en sus Cheerios matutinos. . . Usted puede estar insatisfecho en América, o insatisfecho, usted puede ser irreconocido, sin agradecimiento, usted puede ser subjetivo, frío, unnutritionally satisfecho y un-numerically recompensado, usted puede estar sin representante y por decir - pero usted no puede ser desdichado... Y con todo se quedar esta tristeza... Wallace lo identificó: mucho personas muchas lo siguieron."

De acuerdo con el catálogo, las obras en USA Today hacen "Un caso firme para la afirmación de que los EE.UU. han recuperado el derecho de ser considerados en el corazón de todo que es excitante, innovativo, subversivo y haciendo preguntas en el arte hoy". No doubt Dash Snow, Lara Schnitger, Kelley Walker y the other artistas emergentes en la función habrán tenido cualquier tristeza mitigar, no matter cuán brevemente, siendo bring en la colección de Saatchi y ver su trabajo se visualizó grandiosamente en Cámara de Burlington. Pero han leído su Hickey y por tanto saben el consejo que ofrece a cobradores de vis - à - vis y otros mundo "Espectadores" de arte en Guitar de aire: "Sólo quieren el equipo premiado - el equipo con el edificio elegante, los doctorados chillones y el yeso con adornos en forma de estrella. Piden lentes cuyo valor es confirmados por el normativo consagrando de instituciones y sociedades anónimas. En estos lugares, obtienen el placer autorizado o la virtud de una fuente reconocida, y esto los hace sentir seguro, mayor cantidad una parte de cosas."

Lo sabrán también, que los gran trofeos de los años de Britart de Saatchi, alardado en la academia real en la sensación en 1997, habían sido se deshecho de en la ganancia Tesco -like dentro de solamente uno o dos años de la función siguiendo adelante. Lea el artículo entero aquí




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